The Devil's Double - El Doble del Diablo

Latif Yahia hace tiempo escribió un libro en el cual se basó esta película en la cual el protagonista son él y Uday Hussein, y como lo indica su apellido es el hijo de Saddam Hussein. Todo está ambientado en la época en la que justo Irak le declara la guerra a Kuwait por los territorios del petróleo, y en esos momentos se usaban los dobles de Saddam como de su hijo para que estén en muchos lados con el motivo de confundir a sus agresores.

Dado que Uday tiene muchos problemas mentales los cuales lo hacen un monstruo (no tiene piedad de nadie, es un sexópata, drogadicto y bipolar) decide contratar a la fuerza a un conocido de su infancia muy parecido a él. El problema es que cuando Latif Yahia a la fuerza acepta vivir la vida del hijo del presidente, empieza a ver la cruda realidad detrás de los muros del palacio y también fuera de ellos.

De a poco la moral empieza a carcomer la cabeza de Latif, y con el comienzo de la guerra deberá empezar a tomar decisiones que lo pondrán en riesgo de muerte a él, su enamorada y sus seres queridos.

La película es muy original y es cruel, pero la verdad que pinta un panorama al cual no estaba acostumbrado por mas que uno sepa que los dictadores y sus descendientes generalmente tienen varios problemas con las leyes que ellos no apliquen. Hay escenas muy crudas y violentas, pero creo que agregan un toque especial y lamentable a la película. Mi puntaje es un 7, creo que es para mirar y sacar conclusiones. La película es dirigida por Lee Tamahori y dura 109 minutos.

Fuente: http://www.colisito.com.ar/2011/11/19/critica-pelicula-the-devil%C2%B4s-double-el-doble-del-diablo-2011/

Los 3 Mosqueteros

Ser fiel para ser rompedor. Esa es la filosofía que impulsó en su momento al Sherlock Holmes de Guy Ritchie. Se basaba en volver a ciertos elementos clásicos de la novela que habían sido desestimados por sus adaptaciones cinematográficas para crear una versión totalmente distinta a lo visto hasta ahora. Por ejemplo, el Dartagnan interpretado por un Logan Lerman de dieciocho años es mucho más fiel a la edad del protagonista de la novela original que el Gene Kelly de la versión de 1948 quien le dió vida justo con el doble de esa edad. No es un demérito del clásico filme de George Sidney, pero sí un detalle a tener en cuenta. Pero al igual que en el caso de la película de Ritchie, se opta por una versión en la que la acción y la espectacularidad tienen el protagonismo más absoluto.

No quiere decir esto que se traicione de forma irreversible la esencia de la novela. Hay cierta preocupación por parte de Paul W.S. Anderson por no ser excesivamente rompedor en los primeros compases de la historia del joven Gascón. El espíritu de cada personaje sigue estando presente en el fondo, aunque la forma haya cambiado. Y vaya si lo ha hecho. Los combates con espada casi parecen extraídos de películas de artes marciales, y no sólo aparecen combates navales, sino que estos se tornan aéreos con artefactos que bien podrían haber sido extraídos de la imaginación de otro clásico como Julio Verne.

Pero, olvidando la fuente y centrándonos en lo que nos da la película, “Los Tres Mosqueteros 3D” resulta ser, aún con ciertos reparos, un entretenimiento muy digno.

Dotado de un buen 3D, en el que Anderson no se maneja nada mal, esta versión deja caer sus minutos de duración de forma suave y sin resultar aburrida. A ello contribuye un ritmo rápido y en el que no dejan de pasar acontecimientos que mantienen el interés de forma sostenida sin grandes escenas impactantes, pero también sin altibajos.

En el apartado de “peros” antes citados resplandece el desigual casting del filme. Junto con auténticos aciertos (Christoph Waltz es un estupendo y acertado Richelieu, así como los adecuados Matthew McFadyen y Logan Lerman) encontramos auténticos patinazos como una excesivamente angulosa Milla Jovovich con un físico demasiado rotundo para el personaje de Milady de Winter o un irritante Freddie Fox como el Rey Louis XIII.

Pero el balance, al llegar la última página, o en este caso los títulos de crédito, es positivo. Y eso, hoy en día, no es nada desdeñable.

Fuente: http://www.elmulticine.com/criticas2.php?orden=3330

La Hora Cero

Un largometraje de acción pura y con dobles de riesgo, es la ópera prima de Diego Velesco, un realizador venezolano que previamente había demostrado su talento con una serie de cortometrajes que realizaron grandes recorridos en festivales internacionales. La Hora Cero ha logrado acumular más de 410 mil espectadores, convirtiéndose en uno de los films más vistos en la historia de su país con un total recaudado en dólares de 3,947,360 en 24 semanas de exhibición.

Este film nació del gusto del director por este trepidante género y de ahí su historia sobre un hombre muy malo que hace algo bueno por alguien más. Pero para hacer aún más especial su exigente largometraje, se apoyó en la compañía de efectos especiales FX Stunt Team, ubicada en Argentina y reconocida en este campo tanto en Cine como en Televisión.

2 Cámaras Red One, 9 semanas de rodajes en exteriores que incluyen muchas persecuciones y un total de 180 escenas son algunos de los sorprendentes detalles de esta producción que ha sido seleccionada en la recién creada categoría “Box Office” en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara que se llevará a cabo desde mañana 25 de Marzo al 01 de Abril de 2011. La categoría esta destinada a aquellos largometrajes que han alcanzado, en sus respectivos países, una taquilla de destacar. Sandra M Ríos, la directora

Vibrante y entretenido
Esta es la historia de La Parca (Zapata 666), un sicario que se ve obligado a secuestrar una clínica privada para salvar a Ladydi (Amanda Key), el amor de su vida. No tardan en llegar los policías y con ellos los curiosos y un circo mediático. Con toda la conmoción afuera, La Parca se da cuenta que si bien salvarle la vida a Ladydi será difícil, escapar con sus secuaces será imposible.

¿Reflexión sobre la Venezuela de los últimos 20 años? ¿Vibrante Thriller de acción que solo pretende entretener? ¿Una mezcla de ambas? es difícil saber a ciencia cierta cual es el camino principal que pretende recorrer esta película que al igual que la exitosa “Hermano” de Marcel Rasquin ha calado de forma magnífica dentro del público venezolano.

Es mejor analizarla dentro de las 3 vertientes que conseguí captar de la misma: primero como una reflexión sobre la Venezuela de los últimos 20 años; en este aspecto nos muestra un país en huelga, con políticos corruptos, prensa amarillista donde de cierta forma se justifica la figura del delincuente o de como el ciudadano común puede llegar incluso a mitificar a un “malandro” amparado en la injusticia social; en este aspecto todo parece bien reflejado pero la cinta se queda en eso de manera superficial, además, no ofrece posibles respuestas y prácticamente termina justificando que es mejor matar o “eliminar” un problema que intentar reflexionar sobre el y que dada la injusticia del sistema social queda mejor robar, matar o incluso hacer huelga que trabajar; a diferencia por ejemplo de “Hermano”, donde dentro del mismo contexto muestran un grupo de personas que día a día salen a trabajar de forma honesta y da ese hilo de esperanza inculcando que, haciendo las cosas bien. puedes salir adelante a pesar de las adversidades (a mi parecer sin caer nunca en el almibaramiento barato); asi que digamos que en este primer aspecto, la película muestra su punto de vista de manera eficaz pero hace poco o nada por desarrollarlo y creo que termina pecando de ambigua.

Desde el punto de vista de thriller de acción, la película si que cumple y con creces, probablemente estemos ante la película venezolana con las mejores secuencias de acción jamás vistas, el ritmo es trepidante, no ofrece ninguna tregua, y aunque ciertamente caemos en todos los tópicos de las cintas de secuestros (recordemos a Tarde de perros de Sidney Lumet y Mad City de Costa-Gavras) dichos clichés estan llevados con solidez, la edición es de primera y todos los demás aspectos técnicos están bien conseguidos, los actores muestran su carisma y algunos de ellos están muy bien como Erich Wilpret, Marisa Román aporta su talento y cumple, Laureano Olivares en lo personal, no me impactó mucho pero puedo ver que es de los personajes que más ha calado en el público, Albi de Abreu está gracioso, Zapata 666 cumple con la responsabilidad de llevar sobre sus hombros el peso de la película, aunque personalmente debo reconocer que el actor que más me ha gustado es Alejandro Furth. A pesar de los clichés del género, el momento “Jose Luis Rodriguez”, que en lo personal no me ha gustado nada, la película triunfa como thriller de acción, con escenas de alto riesgo estupendamente conseguidas y una historia que se sigue con interés.

¿Pero está bien dejar todo como un simple thriller de acción y obviar los distintos mensajes que tiene implícitos? pienso que no es correcto; por lo que en general esta opera primera de Diego Velasco (el cual ya tiene dentro de sus palmarés un cortometraje pre-seleccionado al Oscar) me ha gustado, me ha entretenido y me han llegado y emocionado en sus momentos vibrantes, aunque en los temas sociales que toca, se queda muy en la superficie o no termina por definir una postura definitiva.

Se trata sin duda de un paso adelante en la cinematografía nacional, cuando menos a nivel técnico y de entretenimiento.

Fuente: http://www.cinevistablog.com/resena-la-hora-cero-cine-venezolano-de-accion-pura/

Inmortals - Inmortales

Hace veinte años me asombró la novedosa estética visual que el artista y director Tarsem Singh empleó en algunos memorables videos musicales y comerciales de los noventas. Sin embargo, cuando Singh finalmente dirigió una película resultó ser un desastre narrativo, pero, eso sí, repleto de impresionantes imágenes que aún perduran en mi memoria. Algunas personas opinaron que el estilo visual de The Cell bastó para hacerla una buena película, pero no me encuentro entre ellos (aunque respeto su opinión). Y sospecho que ocurrirá lo mismo con Inmortales, nueva cinta de "acción mitológica" con la que Singh pretende triunfar donde fracasaron Conan the Barbarian y el re-make de Clash of the Titans. ¿Lo consigue? Creo que no, pero eso no le impide ser entretenida y, desde luego, visualmente impactante.

El argumento de Inmortales emplea una densa sopa de mitología griega para contarnos la historia de Theseus (Henry Cavill), un virtuoso y valiente hombre involucrado accidentalmente (¿o será voluntad divina?) en la cruzada del maniático Rey Hyperion (Mickey Rourke), quien pretende liberar a los Titanes de su eterna prisión bajo el Monte Tartarus para que eliminen a los Dioses del Olimpo, sus enemigos mortales (o, mejor dicho, inmortales, jo, jo). Y si Hyperion logra capturar en el caos de la batalla una poderosa arma que le permitirá dominar el mundo, pues qué mejor.

Asumo que cuando Tarsem Singh vio 300 la tomó como una afrenta personal y un reto para superarla en todos sentidos. Y eso es lo que intentó con Inmortales... otro refrito del género "peplum" (también conocido como "cine de sandalias y espadas") filtrado a través de una sensibilidad hiper-artística y rebuscada, que no quedó satisfecha hasta que cada pixel de la pantalla fuera opulentamente sobre-diseñado (en color dorado, de preferencia), y cada pelea fuera elegantemente coreografiada en cámara lenta, con mórbida atención a cada chorro de sangre y a cada músculo de los varoniles guerreros griegos que, en distintas circunstancias, no estarían fuera de lugar como "backup dancers" en algún aparatoso video de Lady Gaga.

En lo que respecta a la historia, podemos esperar las habituales fórmulas empleadas como un fin por sí mismas, y no como herramientas para contar una historia coherente. Desafortunadamente Singh muestra tan poco interés en el desarrollo de los personajes que hasta los más rimbombantes clichés se sienten blandos y carentes de energía, ya sea la pelea inicial entre Theseus y los soldados (para demostrar que es un tipo sensible, pero sabe defenderse cuando insultan a su mamá), o los trémulos monólogos de Hyperion, tan ridículamente solemnes y confusos que sus víctimas seguramente dan gracias cuando el obsesionado rey finalmente se digna matarlos. Por cierto, me temo que este no es el Mickey Rourke de The Wrestler, sino el bizarro hermano gemelo que vimos fuera de control en Iron Man 2 y Domino.

Y ya que estoy quejándome de los actores, necesito expresar mi temor por el papel (o papelón) que hará Henry Cavill como Superman en un par de años. Sin duda tiene rostro esculpido en granito y cuerpo de atleta griego... pero, caray, hasta en las más intensas escenas parece un recorte de cartón, incapaz de transmitir sus emociones al espectador (esperen a ver su discurso inspirador antes de la gran batalla... ¿"Pelearemos por los niños"? Sparta, tenemos un problema). Sinceramente espero que Zack Snyder sepa lo que está haciendo. En fin, volviendo al punto, el resto del elenco de Inmortales (con la posible excepción de John Hurt) se limita a repetir sus líneas y servir como maniquíes vivientes para lucir los caprichos de alta costura de Singh, quien prefiere usar el cuerpo humano como elemento de diseño, y no como vehículo de personajes con los que pudiéramos identificarnos.

Sin embargo, como dije al principio, el derroche de estilo en Inmortales es tan abrumador y la acción tan sangrienta que podría distraernos durante casi dos horas, siempre y cuando nuestro cerebro coopere y abandone la esperanza de ser estimulado por una historia interesante. Entonces, si les parece atractiva la idea de ver una película que combina a Frank Frazetta con el más extravagante “pictorial” de Vanity Fair, vean Inmortales, y quizás terminarán apreciando sus virtudes superficiales. Solo recomiendo llevar al cine algo para leer durante los tediosos diálogos. Excepto lo de Mickey Rourke... esos son el "comic relief" y no hay que perdérselos.

Fuente: http://imagenennegativo.blogspot.com/2011/12/inmortales-immortals.html

Saluda al Diablo de mi parte

¡Cine colombiano de acción! ¿Y por qué no? Si les perdonamos a los productores estadounidenses cientos y cientos de películas llenas de clichés sólo por pasar un par de buenas horas de balaceras, peleas y velocidades extremas. Si les perdonamos sus malos bien malos y sus buenos impolutos. Si les perdonamos todo eso que sabemos y colaboramos para que películas increíblemente obvias e increíblemente costosas sean de las más taquilleras de la historia, ¿cómo no aceptar de buen grado el intento de un par de ingeniosos colombianos que se le han medido a inaugurar el cine de acción en nuestro país?
Los hermanos Orozco, los mismos que inauguraron en Colombia el cine de terror con Al final del espectro, han inventado una cinta de acción que bien podría suceder en Colombia. Un exsecuestrado (Ricardo Vélez) se obsesiona con ajusticiar uno por uno a todos los miembros del grupo que lo secuestró y que andan tan campantes por las calles de la capital después de ingresar a un programa de reinserción. Y para lograrlo, extorsiona a uno de ellos (Édgar Ramírez) con el secuestro de su pequeña hija.
El secuestrado se convierte en secuestrador. La víctima se transforma en victimario. La venganza puede más que su dolor. Sabe que se irá al infierno, pero lo hará con una sonrisa en la boca, así esa sonrisa sea amarga.
El tema es perfecto para una cinta de acción, y el desarrollo, digno de Hollywood. Hay policías corruptos que intentan salirse con la suya; y arrepentidos que saben que no basta con la intención. Y en medio de ello balaceras bien montadas y secuencias emocionantes. Pero hay una diferencia con Hollywood: la ira, la ciega emoción que nutre la historia y que nos hace caer en la cuenta que en ese desenlace no puede haber sino perdedores.
Los hermanos Orozco hacen cine de acción estilo Hollywood, pero quizás por eso mismo aún pecan (es su primera película en el género) de construir personajes caricaturescos como el del encarnado por Vélez. Sin embargo, el venezolano Édgar Ramírez y el peruano Salvador del Solar son suficientemente creíbles para echarse la trama al hombro, y salir adelante.
http://www.cromos.com.co/generales/articulo-142162-critica-saluda-al-diablo-de-mi-parte

Abduction - Sin Escape - Sin Salida

"Sin escape” es un película ideal para ir a ver sin demasiada expectativa, la trama es simple, Nathan (Taylor Lautner) encuentra su foto en un sitio de niños desaparecidos y se da cuenta que toda su vida es una mentira, y junto a la chica hot (obviamente porrista) quien eventualmente se convierte en su novia, Karen (Lilly Collins) se enfrentarán a la CIA y a los rusos malvados (no podían no ser los rusos).

El problema principal pasa porque en ninguna parte la película tiene de donde agarrarse, es muy obvia.

Ok, la gran mayoría de las películas de acción lo son, pero esta es una película con serios problemas de identidad; parte como la típica película de adolescentes, fiesta y la crisis de la adolescencia, luego se transforma en una película de acción (con los autos, explosiones y todo) pasando por la historia adolescente romántica, donde no pueden faltar los besos cachondos y que quiere llegar a ser un drama familiar cuando crezca, pero que al final no concreta nada.

En realidad, “Sin escape” es una buena película para las adoradoras del joven protagonista, ya que durante todo el film, tiene una obsesión con quitarse la ropa y exhibir su físico y sus habilidades atléticas.

Está bien, soy mujer y sí, Lautner es guapo y verlo sin polera es algo digno de ver (WOW), pero por dos horas de verlo exhibirse, prefiero comprar un póster. No me hubiese sorprendido que el joven se hubiese convertido en hombre lobo, aunque hay que darle puntos porque realmente se esfuerza, en su personaje, creo que este joven puede llegar a ser un buen actor cuando crezca.

Lamento decir que para los machos no hay un buen futuro en “Sin escape” a menos que les gusten las chicas que no solo actúan como niñitas; si no que, además lo parecen. Si bien he visto varias actrices sin curvas que logran dar la nota de chica sexy, Collins no lo hace, es linda, sí, pero le falta eso sensual que las chicas de acción poseen en demasía.

Si quieren ver chicas sexys mejor nos quedamos con una de las anteriores películas del director John Singleton: Rápido y Furioso 2, y no con esta versión que parece el punto medio entre Crepúsculo y la cinta recién mencionada. Ahora que lo pienso, quizás el pobre está sufriendo la maldición post-Oscar, una vez que ganó la codiciada estatuilla no ha logrado sacar una película que pegue.

Impacta mucho que con todo lo que puede llegar a ser, con todo lo que promete el trailer, una vez visto ya viste las mejores partes de la película y el 90% de las escenas de acción, y con los tremendos actores de reparto que tiene; como a Sigourney Weaver (Alien, Avatar ¿necesito poner más?) y Alfred Molina (Frida, Spider Man 2), igual la atención se escapa, ya que nada se concreta, y la cinta se escapa sin rumbo fijo.

“Sin escape” es definitivamente una película para adolescentes que hayan amado a Lautner en su papel de Jacob, o para verla un domingo en la cama. La mejor comparación que puedo hacer es decir que la película es como un manjarate sin el centro de chocolate o un kinder sorpresa sin sorpresa.

Fuente: http://www.galadnor.cl/critica-de-cine-sin-escape-abduction/

Drive

Con una estética y atmósfera impresionantes, este thriller apuesta por un perfecto estilo noir que compensa la simplicidad de su trama, logrando su director Nicolas Winding Refn componer un tensionado y absorbente filme conducido con gran pulso por su actor principal, Ryan Gosling.

Sinopsis: Un hombre solitario trabaja de día como especialista de coches para películas y de noche como conductor independiente para cualquier grupo de ladrones que quiera contratarle. Su único contacto humano es con su jefe y mecánico y con su vecina, con la que empieza a entablar una relación.

Un protagonista anónimo, silencioso, sereno, sin pasado, sin historia ni futuro. Simplemente se sabe de él el trabajo que realiza. Este tipo de antihéroes han sido los protagonistas de grandes películas, como por ejemplo la reciente "El americano" con George Clooney, "El silencio de un hombre" con Alain Delon, "Ghost Dog" con Forest Withaker o algunos de los personajes del oeste interpretados por Clint Eastwood. Hay pistoleros, asesinos y en "Drive", un conductor.

Con una estética noir, una gran atmósfera y mucha influencia de títulos como "Bullit" o "Vivir y morir en Los Ángeles", el realizador Nicolas Winding Refn vuelve a coger a un personaje parco en apalabras tal y como hizo en "Valhalla Rising" y lo vuelve a introducir en un viaje existencial. Esta vez la acción tiene unos grandes rasgos de veracidad y su trayecto es menos onírico.

Para ser una película de acción, hay pocas secuencias trepidantes y para ser una película sobre un conductor, hay pocas persecuciones. Quien espere ver una cinta llena de secuencias con ritmo, explosiones y tubos de escape, este filme va a ser una gran decepción. "Drive" es un filme perfectamente estilizado, con una impresionante atmósfera noir y con control tensionado de su historia palpable en todo momento. Es magnética, excitante y fría.

Este gran control es gracias al soberbio trabajo de Nicolas Winding Refn, quien a pesar de su leve abuso de las pausas ganó el premio a la mejor dirección en el Festival de Cannes de 2011, categoría en la que podría haber sido vencedor en cualquier otro certamen y también con cualquiera de sus dos películas anteriores, "Valhalla Rising" y "Bronson". Es particularmente importante su labor aquí ya que su estética, atmósfera y pulso sustituyen aquí un vació de historia y contenido.

La trama presenta un leve giro sobre la idea de un robo fallido y se basa en un protagonista de "Drive" que tiene una personalidad que se asume por papeles similares pero no tiene una psicología propia que sea explorada en ningún momento. es una película que resulta apasionante pero no por lo que cuenta sino por cómo está hecho.

Se encuentra protagonizada por Ryan Gosling, capaz de hacer de nazi judío o de enamorarse de una muñeca hinchable con igual veracidad y humanidad. Aquí, y de una forma perfectamente medida, deja que algo de emoción aflore por los momentos en laos que el estoicismo de su personaje muestra alguna ligera grieta. Ello lega principalmente por su vecina, interpretada por una demasiado frágil Carey Mulligan.

Con todas sus diferencias y distancias, si "Bullit" tenía a Steve McQueen, "Drive" tiene a Ryan Giosling. Él es un protagonista ideal en un filme dirigido por uno de los realizadores más interesantes del panorama actual y quien vuelve a demostrar su gran dominio tras la cámara en un filme que para los amantes de la acción pura puede resultar aburrido pero que tiene toda la calidad necesaria para ser considerado de culto desde el momento de su estreno.

Fuente: http://www.criticscinema.com/criticas/peliculas/Drive.php